정말 우연히도 함께 구매한 영화가 쿼란틴(Quarantine,2008) 이었는데
이 작품 역시 핸드헬드 기법으로 촬영된 영화인데다가, 클로버필드보다 딱 2배정도 더 흔들리기 때문에

15년간 FPS 게임으로 다져진 나로서도 식은땀을 흘리며 어지러운 머리를 부여잡고 간신히 끝까지 본 터라
그 다음날 감상한 클로버필드는 눈 하나 깜짝하지 않고 느긋하게 감상 가능했다.


이 작품에 대해 따로 감상평을 쓰지 않는것은 제대로 된 영화 감상 자체가 불가능할 정도로 어지러웠기 때문.
호평받은 스페인영화 'REC'의 리메이크작인데, 호러영화 매니아로서는 그냥저냥인 작품. 고어씬도 생각보다 적어서 아쉬웠다.

각설하고, 클로버필드는 떡밥의 대명사 J.J 에이브람스가 제작을 하고 그의 절친한 친구인 매튜 리브스가 감독을 맡았던 탓에
개봉 전부터 무수한 추측과 기대감을 갖게 한 유명한 작품인데, 적어도 이름값에 걸맞을 만큼의 성과는 이뤘다고 본다.

신선함으로 본다면 이미 10년전에 나온 '블레어 윗치(The Blair Witch Project, 1999)' 에 미치지 못하고
'우주전쟁(War Of The Worlds, 2005)' 초반부의 압도적인 스펙타클과 비교해도 큰 임팩트를 주진 못하지만
적어도 감독의 의도를 관객들에게 어필하는데는 충분히 성공했다.

거의 모든 핸드헬드기법 모큐멘터리식 영화의 장점이자 한계를 고스란히 가지고 있고
딱히 여기서 말을 꺼내야 할 스토리도 전혀 없는 작품이다.
그냥 앉아서 편안히 즐기기만 하면 되는 진정한 팝콘무비라 할 수 있는데, 그렇다고 그 질이 떨어지는건 아니다.

감상내내 가장 아쉬웠던 점은 단 한가지.

이 작품은 극장이 아니면 관람할 가치가 70%는 사라져 버린다.
21세기 영화 전체를 통틀어서 가장 박력있는 사운드를 들려준 작품중 하나였다는 평이었으니까. ㅡㅡ;
이 작품의 박력은 핸드헬드 촬영에서 오는게 아니라 관객을 짓눌러 버릴 정도의 강력한 사운드에서 나온다.
대형 TV들이 많이 보급된 지금이라도 한국서 스피커 볼륨을 꽝꽝거리게 할 수 있는 집은 거의 없을 터.

솔직하게, 집이 떠나갈 정도의 소음에도 주위의 신고가 들어오지 않는 방음설비가 완비된 집이 아니라면
집에서 클로버필드를 보는건 김빠지고 미지근한 맥주를 마시는거나 마찬가지다.
그래서 DVD 나 블루레이는 솔직히 비추.
사운드가 너무나 압도적인 작품이라 사실상 최대의 재미를 느낄수 있는 시기는 이미 지나갔다고 본다.

예전에 대학 동아리에서 영화토론을 1년 가까이 한 적이 있는데
그때 누군가가 말했던 적이 있다. 'SAS씨는 영화를 굉장히 긍정적으로 보시네요. 비평보다는 칭찬이 많아요' 라고.

이 자리를 빌어서 거기에 대한 답변을 하자면
애초에 마음에 안 든 영화는 이렇게 칼로리 소비해가면서 글 쓸 필요성도 못느끼기 때문에
실제로 내가 남들에게 말하거나 하는 영화는 대부분 나에게 그럭저럭 좋은 인상을 준 작품들 밖에 없다.

실제로 T3 에서 피눈물을 흘리면서도 '그래도 이정도면 뭐 카메룬이 빠진 것 치고는 괜찮은 팝콘무비 아닌가'
라고 스스로를 위로하기도 했고. 도로 추격씬은 그 정도면 극장서 보기 좋은 퀄리티였다.

그런데 아~~주 가끔은 이렇게 보면서 내내 멍때린 작품에 대한 글도 쓴다. T_T
왜냐고? 날려버린 돈과 시간이 아까워서 한탄이라도 하려고.

몸이 불편한 예현이 아침에 일찍 일어나서 쉬 시켜주고 밥 만들어주고 8시 30분 조조할인받아
총인원 7명인 극장서 편안하게 감상했으니 시트에 앉을 때까진 그래도 기분이 좋았다.

그런데 이 T4는 (아니, 4 라고 붙이지 말자. 이건 모독이다) 감독, 배우, 관객 그 누구도
Salvation 하는데 완벽하게 실패한 작품이라고 본인은 굳게 믿고 있다.

감독이 MCG 라는데서 사실상 거의 포기상태였지만, 정말 미녀삼총사 이후로 이렇게 눈꼽만큼도 실력이 늘지 않았다는 점 하나만은 놀랍긴 했다.
캐릭터도 멍때리고 T-600 도 멍때리고 어이없는 자막도 멍때렸다.
머리가 짧아서 그런게 아니고 캐릭터들의 색깔이 전혀 없다. ㅡㅡ;
카메라의 흑백은 감성을 자극하지만 영화에서 캐릭터들이 이렇게 모노톤이 되어버리면
아무 배우가 갖다 때려박아도 완벽하게 똑같은 캐릭터로 대체 가능하다. 이건 배우에 대한 모독이지.

굳이 터미네이터 시리즈와의 연관성을 문제삼지 않고 독립적인 액션영화로 판단한다고 해도
이 작품의 플롯은 너무나 엉성하고 헛점이 많아서 마치 D-WAR 보는 느낌이었다.
처음부터 끝까지 말도 안되는 어거지 전개가 주욱 이어지고,
그 헛점을 커버해서 관객들의 눈과 귀를 즐겁게 해줄 액션씬도 맥아리없기는 마찬가지.

터미네이터 아저씨 요즘 투포환에 재미들였수? 왜 그 파워 갖고 계속 던지고 놀기만 해?


아놀드 형님 닮은 T-800 나올때 비로소 이 작품은 자아를 찾는데 성공한다.

'이 영화는 코메디였어'

스포일러가 있습니다.






















최근 크로넨버그 감독의 행보를  아쉬워하는 호러영화 매니아들이 많을 것이다.
마치 '반지의 제왕'과 '킹콩'을 보면서 '데드 얼라이브'때의 피터 잭슨을 아쉬움 반, 대견함 반(?)의 시선으로 바라보던 나처럼.
그나마 자기 위안을 하자면, 호러영화 감독들의 본성은
그들이 아무리 장르를 갈아치워도 쉽게 사라지지 않는다는 사실.
특히 폭력의 역사(A History Of Violence, 2005)에서 시작한 크로넨버그의 새로운 행보에는 더더욱 그것이 느껴진다.

인간의 신체를 조물락거리며 그 피부속에 감춰져 있던 본성을
신기한 장난감을 만지며 즐거워하는 아이처럼 순수하고 무자비하게 드러내던 그도 이젠 머리가 좀 굵어진 건지
이제부터는 가죽 껍데기를 직접 벗겨서 보여주지 않고도 속의 내용물을 잘 묘사하는 능력을 구사한다.
호러영화 감독 시절의 크로넨버그를 그리워하는 이들이라도 폭력의 역사에서 시작한 그의 삐딱선에 무작정 불편한 시선을 던질 필요는 없을 듯.
좀 더 대중적이고 얌전해 졌을 뿐, 여전히 그가 가지고 노는 장난감은 인간의 본성이니까 말이다.

여러가지로 전작과 어깨를 나란히 하는 형제격 작품인 '이스턴 프라미스'는 초반 인트로부터 쌍둥이나 마찬가지.
'설마 그럴까' 라는 관객들의 의구심을 오프닝 10분만에 증명시켜 버리는 이유는
'내가 말하고자 하는 건 이런 거니까 마음 단단히 먹고 따라오라'는 감독의 친절하면서 명쾌한 가이드라인이다.

전작 '폭력의 역사'가 굉장히 보편적인 방법으로 인간의 본성에 대해 파해졌다면 이번 작품은 거기에 극사실적인 지역적 특색을 첨가해서 훨씬 더 명암대비가 분명해진 동시에
그 반대급부로 전작보다 작품에 대해 좀 더 세밀한 관찰과 배경 지식이 없이는 쉽게 그 맛을 음미하기가 어려워졌다.

대학생 때 중앙아시아 국가들의 역사에 대해 잠시나마 공부해 본 적이 있는데
러시아와 그 주변국들의 관계는 정말로 거칠고 복잡하게 얽혀 있어 거기에 속한 부류들의 심적 상태는 그들 자신이 아니면 정말로 체감하기 힘들 거라는 느낌을 받았다.
아마 본인이 중앙아시아를 좀 더 이해하고 있었다면 이 작품의 탄탄한 현실적 기반에 훨씬 거대한 공감대를 형성했을 것.
그걸 제대로 즐기지 못한 탓에 '폭력의 역사'와 거의 동급으로 평가하고 싶지만, 어쨌든 전작보다 더욱 리얼해진건 사실이다.
'런던이 아들을 망쳤어'라는 대사 하나가 이 영화의 모든 배경을 관객이 납득시키도록 만들어 버리는 힘도 거기서 나온다.

'스캐너스'와 '비디오 드롬'이 인간의 피부를 벗겨가며 그 본질을 탐구했고
'폭력의 역사'는 가족이라는 울타리와 그 한 발짝 밖에 존재하는 세계의 괴리감을 통해 그것을 탐구했다면
'이스턴 프라미스'는 사회를 이루는 구성원들간의 거리를 극단적으로 묘사함으로서 그것을 보여준다.
그리고 인간이 사회적인 동물이며, 그 본성에 폭력이 내재하고 있다는 진실을 부정하지 않는다면
이번 작품은 직접 벗기는 껍질보다 훨씬 더 세밀하고 좀 더 심층적인 본질을 까발려주는데 성공했다는 발언에 반대할 사람 없을 듯 하다.

크로넨버그가 비고 몰텐슨을 주력 배우로 삼은 건 정말 최고의 선택이라고 밖에 할 수 없다.
전작에서 유약한 가장과 비정한 살인자의 이면을 한 얼굴로 표현해 낸 그의 능력에 감독이 반하지 않을 리가 없었을 터.
이번엔 훨씬 더 깊은 이면을 선보여야 했던 그는, 표정 하나하나에 관객들마저 혼란을 느낄 정도로 신들린 연기력을 과시한다.

이번 작품에서 그는 결코 악과 대립하는 선의 역할을 맡은 캐릭터가 아니다.
아무 죄 없는 아이를 죽일수는 없지 않냐며 키릴을 설득하는 장면.
이것이 바로 감독이 말하고자 했던 의도인 것이다. 그 말을 할 때의 비고는 인간 본성의 가장 깊은 곳을 끌어낸다.
FSB 요원이며, 자신의 목적을 위해 어떤 짓이든 할 수 있는 그가 가장 휴머니즘적인 태도로 키릴을 설득하는 장면.
이것은 휴머니즘에 기반한 설득이 아니라 자신의 이면을 감추기 위해 그 인류애마저 포장지로 사용하는 전율적인 장면이다.
그나마 감독은 나오미 와츠가 맡은 캐릭터를 통해 비고의 위치를 좀 더 중립적인 인물로 당겨놓긴 했지만
아마 감독이 말하고 싶었던 인간의 본질은 그 중립적인 인물에서야말로 극단적으로 표현될 수 있는 것이 아니었나 싶다.

이는 'EVERY SIN LEAVES A MARK' 라는 포스터의 표어에서도 여실히 드러난다.
비고의 몸에 새겨진 '죄'의 문신은 지워지지 않지만, 그것은 속죄를 바라는 표식이 될 수도 없다.
죄를 짓는 행위를 악이라 생각지 않는 인간의 본성이 어떤 사회를 만들어 가고 있는가.
아이를 살리려는 비고의 행동은 인류애적인 본성이었을까. 자신이 올라가기 위한 발판을 지키기 위해서였을까.

마이클 만 감독의 작품은 사회성의 고찰보다 미장센을 통한 교감에 중점을 둔 경향이 강하다.

이 감독에 대해서 조금이라도 관심이 있다면 항상 떠오르는 이미지.
LA, 밤, 총기.

'히트'가 전설적인 두 배우의 만남때문에 큰 입소문을 불러일으킨 것에 비하면 이 작품은 배우에서 입소문을 탈 정도는 아니었다.
물론 탐 크루즈와 제이미 폭스라는 배우의 자질은 '히트'의 두 배우에 떨어질 것이 없다고 보지만 현실은 현실.

이 작품이 그의 필모그라피 중에서 가장 내외적으로 즐길거리가 가득한 웰메이드 영화기 때문에.
남성적 이미지를 풀풀 풍기는 감독의 성격상 아무리 뛰어난 두 배우에게서라도 수박 겉핥기식의 담론 이상을 기대하기는 힘들지만
최소한 그의 다른 작품들보다는 머릿속으로 생각하며 즐길거리도 풍부하다는 점에는 이견이 없으리라 본다.

똥폼만 가득 든 염세주의자 빈센트와, 삶의 무게에 짓눌려 하루하루를 살아가는 맥스의 얼빠진 대화도
관객들에게 충분히 작품에 빠져들 수 있을 만한 당위성을 부과하는 것은 바로 감독이 사랑하는 LA의 밤거리다.
이 영화에 주연배우가 둘이라고 생각하는가? 천만의 말씀.

이 영화는 'LA 의 어둠' 단독 주연으로
'택시'가 조연.
'빈센트'와 '맥스'가 찬조출연하는 작품이다.

디지털 기술의 발전으로 담아낸 LA의 거칠고 쓸쓸한 야경은 마이클 만 감독이 이에 집착하는 이유를 깨닿게 해 줄 정도로 매력적이다.
다소 작위적이긴 하지만, 텅 빈 도로 사이를 지나가는 늑대 씬이 묘하게 납득가는 이유는 그것이 바로 LA 이기 때문.
작품 전체를 짓누르는 야경의 무게는 고스란히 캐릭터들에게 녹아들어 그 힘을 발휘한다.
별별 손님들에게 시달리며 조용히 파라다이스의 꿈을 꾸는 택시기사의 심리도.
직업에 충실하면서도 정작 희망따윈 없는 염세주의 킬러의 공허한 눈빛도.
그 LA의 야경이 없었다면 얼마나 무의미한 장면이 되었을 것인가.

물론 이런 거대한 문명의 산물에 지나치게 의존해서는 감독으로서의 체면도 살지 않을테니
우리의 총기오타쿠 마이클 만 감독께서는 커맨터리를 즐기는 미장센 매니아들의 기대를 져버리기 않기 위해
눈돌아갈 정도의 현실성이 녹아있는 액션씬을 선보여 준다.
'히트'에서 이미 예견된 일이고, 감독 스스로 '히트'가 이 '콜래트럴'의 연습작이었다고 공언한 만큼
얼핏 보면 단순한 듯한 액션 씬 하나하나가 정말 리얼리티가 가질 수 있는 최고의 카타르시스를 선사한다.

빈센트가 거리의 시인들을 손봐줄 때의 그 움직임!
아마 어떤 전문가를 가져다 놔도 그 이상 훌륭한 대응을 보여줄 순 없을 것이다.
탐 크루즈가 이 씬을 찍으면서 감독에게 얼마나 볶였을지를 상상하니 쓴웃음이 나온다.
이미 정평이 난 총기 고증과 사용 자세, 리얼하다못해 환상적인 격발음 등은 말하면 입만 아픈 지경.

지하철에서의 마지막 씬은
아마 빈센트의 총기 사용 능력을 간파하고 있는 경험자라면 금새 고개를 끄덕일 수 있을 정도지만
나같은 일반인들은 영화를 한두 번 정도 더 봐야 이해할 수 있을 정도로 현실적이다.
관객을 위한 설명조차 최소한으로 제한해 버림으로써 얻을 수 있었던 현실성이야 말로 감독이 원하던 것이 아니었을까.


마이클 만 감독은 이 작품 이후로 '마이애미 바이스 극장판'을 통해 예전의 자신으로 돌아와버린 듯 하지만
(인사이더와 콜래트럴 외의 작품은 주제보다 소품이 부각되는 감독의 고질적인 특징이자 약점이 그대로 드러난다)
LA의 야경과 총기류에 목매다는 그의 지극히 매니아틱한 취향은 여전히 작품을 재미있게 여러번 즐길 수 있는 여지를 남겨준다.

샘 맨데스 감독의 몇 안되는 필모그라피 중에서 가장 대중적이었던 건 장편데뷔작인 '아메리칸 뷰티'지만
개인적으로는 '로드 투 퍼디션'(Road To Perdition, 2002)이 취향에 맞았다.

아직 입가에 흐뭇한 미소를 띄우기에는 어색한 면이 보이는 젊은 감독이지만 적어도 작품을 고르는 그의 심미안은
이미 상당한 수준에 올라있다는 느낌이 들어 기분이 좋다. 2008년 오랜만에 감독을 맡았던 'Revolutionary Road' 는 둘째치고
수잔 비에르 감독의 '우리가 불 속에서 잃어버린 것들'(Things We Lost In The Fire, 2007)등의 제작을 맡은것까지 고려한다면 말이다.

아메리칸 뷰티에서도 충분히 드러나기도 했지만, 이 감독의 특징은 비참한 현실을 그다지 기분나쁘지 않은 냉소로 풀어낸다는 점.
의외로 깔거 다 까고 싸질러 놓고 싶은 대로 다 흐트려 놓으면서도 현실적으로는 절묘한 균형감각을 유지하고 있다는 점이다.

또 한가지 훌륭한 점은 배우를 잘 선택하고, 잘 요리한다는 것.
'아메리칸 뷰티'가 케빈 스페이시가 없이는 존재할 수 없는 영화인 것 처럼.
'로드 투 퍼디션'이 주드 로 없이는 존재할 수 없는 영화인 것 처럼. (이건 좀 과장이긴 하다)

이 말뿐인 전쟁영화도 장르적 특징인 '모든 조연의 주연화'가 필요한 작품인데,
그 점에서 이 작품은 앞에서 말한 감독의 두 전작보다 훨씬 더 광범위하면서도 적절한 캐스팅을 자랑한다.
붕어눈동자 제이크 질렌할과, 이미 현역군인이나 마찬가지인 제이미 폭스의 연기는 더 말할것도 없고
피터 사스가드와 제이콥 베가스 등의 조연들도 작품 내에서 자기 맡은바에 대한 책임은 철저히 완수했다.

이 작품의 가장 큰 문제는, 감독 특유의 균형잡힌 시각이 오히려 작품의 힘을 꺾어버리는데 있다.
걸프전을 소재로 한 헐리우드 영화들은 대체로
 
대놓고 까거나
가볍게 조롱하거나
정신줄 놓거나 (말 그대로 'Jarhead'처럼)
 
정도로 구분되는데, 이 작품은 철저하리만큼 한 병사의 개인적 시선으로만 현실을 해석하고 있다.
등신 머저리들의 집합체인 미 해병대원 중에선 그래도 조금은 제정신 박힌 캐릭터라 열심히 분투하지만
이미 머리에 개똥만 가득찬 꼴통들만 아니라면 걸프전의 추악한 현실이란거 누구나 다 알고 있는 상황에서
이러지도 못하고 저러지도 못하는 감독의 빠지는 똥줄이 캐릭터에서도 그대로 묻어나고 있다.

그래서 상당히 미지근한 주제의식으로 남게 된 점이 아쉽지만.
반대로 생각하면 그 지극히 개인적인 시선이 의외로 폭넓은 공감대를 형성하기도 했다.

명실공히 독일 제국주의의 부활을 꿈꾸는 현 대한민국의 현실과도 참 어울리는 장면이기도 한데
주구장창 이라크의 생화학 무기를 들쑤시며 온갖 듣도보도 못한 약품으로 온 몸을 찌들이면서도
막상 '입으로 똥싸는' 행위가 그 약품때문이 아닌
학살의 현장에 의해서 이루어졌다는 점을 조용히 잡아내는 감독의 역량은 칭찬할 만 하다.

현실감각이 없이는 영화 자체를 판단할 수 없어서 더욱 매력적인 전쟁영화 장르지만
샘 맨데스 감독의 성격상 이 작품은 그 특유의 중립적 시선이 오히려 아쉬워진 듯 하다.

걸프전이거든.

거기에 중립적 시선이란게 존재하기는 하는가?

커멘터리에서도 나오지만 미국 정부는 영화에 대한 지원을 거부하며 훨씬 더 많은 각본의 수정을 요구했다고 한다.
아마 미국 감독으로서는 이 정도 각본도 용기없이는 힘들었나 보다.
과연 쥐새끼가 똥꼬빠는데 정신이 빠진 미국답다는 생각.


P.S 중간중간에 배를 잡고 웃을만한 멋진 장면이 많이 나온다.
가장 기억에 남는 장면은 이라크로 떠나는 비행기 장면. 최고다!